Kamikaze Taxi (復讐の天使) - 1995 | Quando il Vento Divino Proviene dalle Ande

Regia: Masato Harada

Sceneggiatura: Masato Harada

Produttore: Akio Nanjo, Susumu Tanaka, Narihiko Yoshida, Yoshinori Moniwa, Kazunori Okada

Casa di Produzione: Pony Canyon

Paese di Produzione: Giappone

Distribuzione: Bitters End

Fotografia: Yoshitaka Sakamoto

Montaggio: Hirohide Abe

Musiche: Masahiro Kawasaki

Scenografia: Hiroshi Maruyama

---

Data di Rilascio: 29 aprile 1995

Avevo citato quasi quattro anni prima Harada in uno dei miei bollettini cinematografici a tema yakuza, ma non avevo mai riassunto la sua carriera... approdato a Londra nel 1972 per imparare l'inglese, diviene un critico cinematografico per il "Kinema Junpo" e per "Takarajima": esperienza che lo porta a trasferirsi in Los Angeles l'anno seguente, diventando il corrispondente USA per entrambe le riviste, recensendo ed informando il pubblico nipponico sulle pellicole in uscita nella nazione. Tornato in patria nel 1979, esordisce come regista assieme al dramma politico di "Farewell, Movie Friend: Indian Summer" e vola in Germania nel 1983 per girare il film automobilistico di "Windy Story" (1984), per poi lavorare a tempo pieno anche come traduttore di pellicole statunitensi, senza mai tralasciare la sua carriera di regista. Inizia a farsi conoscere a livello internazionale con il titanico tokusatsu di "Gunhed" (1989), per poi consacrare la propria carriera con "Bounce Ko Gals" (1997), opera di denuncia sulla prostituzione minorile. Debutta a Hollywood come attore nel kolossal statunitense de "L'Ultimo Samurai" (2003) e prosegue la propria prolifica carriera di regista, fino al suo passaggio a miglior vita l'8 dicembre del 2025 per via di un'insufficienza multiorgano, all'avanzata età di 76 anni.

Il novello yakuza Tatsuo (Kazuya Takahashi) è il tutore di Renko (Chika Nakagami), donna del politico conservatore Domon (Taketoshi Naito): a capo di un giro di prostituzione giovanile ed ossessionato dal sadomaso, tramite Tatsuo attira nel giro la sua conoscente Tama (Reiko Kataoka) e la ferisce gravemente al volto. Renko si ribella al boss yakuza Animaru (Mickey Curtis) e viene tolta di mezzo, suscitando in Tetsuo un forte desiderio di vendetta. Quest'ultimo si allea con alcuni suoi venditori ambulanti per estorcere del denaro nella residenza di Domon: il piano riesce, ma Animaru riesce a trovarli ed a decimarli. Tatsuo riesce a fuggire e raggiunge il tassista nippo-peruviano Kantake (Koji Yakusho), pianificando una missione suicida per vendicare i suoi amici e la defunta Renko...

Poliedrico road movie che, sfruttando il genere yakuza, veicola impulsivamente allo spettatore il "vento di riscatto" della comunità nippo-peruviana nelle vesti di un documentario di denuncia politico/sociale alla Damiano Damiani sul Giappone del decennio perduto: la posizione mummificata della donna, il revisionismo storico del loro passato nella WW2, la povertà subita dagli immigrati con conseguente xenofobia, il dilemma della prostituzione giovanile negli alti ranghi del potere senza sprecare un secondo e nemmeno dirottare l'attenzione altrove. Secondi notevolmente sostanziosi e privi di riempitivi di qualsiasi tipo, ampiamente sfruttati da un geniale montaggio "hip hop" e colmo di longevi piani sequenza nelle scene chiave, impregnate di efficaci effetti Kuleshov tali da renderci partecipi nel riscatto dei due protagonisti. Riscatto abilmente fotografato da una regia focalizzata sui panorami naturali e sui neon delle grandi città come in un noir all'americana, con tutta l'estetica nipponica dell'era Meiji intrisa di colori pastello che si intreccia con il post-modernismo urbano della giovane era Heisei. Gioca un ruolo importante anche la colonna sonora di Kawasaki, dove ci trasporta con l'orecchio nell'animo peruviano di Yakusho e calma i nostri nervi dagli avvenimenti turbolenti della pellicola. 

Mai sottovalutare i desideri vendicativi di un discriminato...
Ci vediamo in un'altra recensione, cari spettatori del blog!

Dominante (制覇) - 1982

Regia: Sadao Nakajima
Soggetto: Kageki Shimoda
Sceneggiatura: Sadao Nakajima, Hiroko Nishizawa
Produttore: Yoshiharu Fukui, Masao Sato
Produttore Esecutivo: Tan Takaiwa
Casa di produzione: Toei
Distribuzione: Toei
Fotografia: Tatsuo Suzuki
Montaggio: Isamu Ichida
Musiche: Naozumi Yamamoto
Scenografia: Toshikaze Sano, Kenji Yamashita
---
Data di rilascio: 29 ottobre 1982
La risposta della Toei all'invasione nelle sale delle pellicole a marchio Kadokawa, oltre al rientro in pista della casa nel genere "yakuza eiga": quest'ultimo letteralmente sparito dalla circolazione sul finire del decennio scorso, in parte dovuto al ritiro definitivo di Fukasaku dal genere per dedicarsi interamente ad altro. Un kolossal degno di essere definito tale, vista la presenza di grandi nomi nel cast, che hanno contribuito a cambiare per sempre il genere "yakuza" (Koji Tsuruta, Bunta Sugawara, Toshiro Mifune, ecc...), che diede le fondamenta per la saga delle "mogli yakuza", dove nel corso del decennio riuscì a risollevare l'oramai agonizzante filone della malavita. 

Il boss di terza generazione della Taniguchi-gumi, Masao Tadokoro (Toshiro Mifune), viene ferito da un proiettile: salvato da un tempestivo intervento chirurgico, la polizia di Osaka riesce a trovare il sicario, ossia un membro della Naniwa Junkoka-dan... affiliata alla rivale Sakata-gumi. In risposta, la Taniguchi-gumi perseguita la Sakata-gumi e dopo le dimissioni di Tadokoro dall'ospedale, esso inizia a pensare ad un degno erede...

Più un impero è alla sua fine, più le sue fondamenta d'argilla si sgretolano a tempo record. Canto del cigno non solo per l'impero, ma anche per alcune stelle che avevano popolato il filone yakuza, dove qui sembrano al loro ultimo scintillio nel proprio mestiere. Toshiro, un titano in tutto e per tutto nelle vesti di un boss che raccoglie i cocci della sua dimora in decadenza, pronto oramai a qualunque cosa capace di minare il suo sbiadito impero, con una moglie (Mariko Okada) che lo ha accettato nelle sue condizioni ingrigite. I suoi subordinati, mine vaganti, fanno tutto ciò che riescono per risollevare il destino dell'organizzazione, ma non sempre tutto è possibile. Bunta Sugawara rimane nuovamente una testa calda, ma qui molto più contenuta; Koji riesce nell'essere un chirurgo professionale, dato il timbro di voce e la calma con cui lavora. Completa il resto la formula sempreverde del melodramma dai dialoghi agrodolci, con una fotografia quasi tetra e scolorita per dimostrare il prestigio svuotato dell'impero di Toshiro, ed una musica discordante. Nulla da dire per il montaggio.

Eh, sì. Ancora una volta mi è toccato inserire un video decontestualizzato con il film, dato che su YouTube non vi è traccia di esso. Godetevi un Kobayashi che inaugura la fine dei "ninkyo eiga".
Ci vediamo in un'altra recensione, cari spettatori del blog!

Miracolo sull'Isola di Lubang: Scuola Militare di Nakano (ルバング島の奇跡: 陸軍中野学校) - 1974

Regia: Junya Sato

Sceneggiatura: Fumio Konami, Susumu Takaku

Casa di Produzione: Toei

Paese di Produzione: Giappone

Distribuzione: Toei

Fotografia: Hanjiro Nakazawa

Montaggio: Osamu Tanaka

Musiche: Taichiro Kosugi

Scenografie: Hiroshi Kitagawa

---

Data di rilascio: 15 giugno 1974

Dispiace non aver potuto inserire un titolo descrittivo accanto al titolo della pellicola, ma da solo è ben capace di esplicare la rovente situazione geopolitica dell'allora Giappone imperiale. A distanza di tre anni torniamo a parlare di Jun'ya, dove nella prima metà del decennio di piombo sforna capolavori dell'appena codificato "jitsuroku eiga", contribuendo al riassunto della vita turbolenta del gangster Noboru Ando ed alla consacrazione di Ken Takakura come stella del cinema d'azione nipponico nel film in live action di "Golgo 13" (1973). Due anni dopo gira la pietra miliare delle relazioni sino-nipponiche, "Manhunt", ossia il primo film straniero distribuito nella Cina post-maoista. Vi anticipo che vedrete un Sonny Chiba completamente diverso da come lo avete conosciuto, nel suo periodo d'oro al cinema (appena tornato dal secondo capitolo della famosissima trilogia del "lottatore di strada" a firma di Ozawa).

Primavera del 1944. L'ufficiale in prova Murakami (Go Wakabayashi) viene mandato, su ordine dello Stato Maggiore, alla segreta 33° Unità Orientale situata nei pressi di Nakano. Si uniscono a lui Kikuchi (Sonny Chiba), Seki (Joji Sawada), Kasugai (Tatsuya Nanjo) e Hidaka (Isao Yagi), i migliori delle scuole di riserva nipponiche. Subito guidati dall'istruttore Takiguchi (Bunta Sugawara), si cimentano in svariati tipi di addestramento, fino al borseggio ed essere beccati dalla polizia in tali furti. Le prove si faranno sempre più dure, a partire dall'infiltrazione dello stesso istruttore sull'isola di Saipan per raccogliere informazioni, finendo per essere disperso. L'anno dopo, la scuola venne trasferita a Tomioka e fu assunto Sakata (Hideo Murota) come nuovo istruttore, iniziando ad insegnare tecniche di guerriglia urbana, visto l'arrivo imminente degli americani...

Disperazione asfissiante in ogni singolo fotogramma. E per contribuire all'atmosfera tesa, non manca la fretta e l'isteria di massa per arginare il crollo rovinoso del fronte nipponico, tale da scatenare persecuzioni di ogni genere nei confronti di qualsiasi presunto responsabile del crollo. Sonny conferma nuovamente il suo essere poliedrico al massimo della votazione: qui più concentrato a livello performativo che il solito stuntman inarrestabile, diviso al suo interno tra vergogna repressa e patriottismo da salvaguardare, con la baionetta sempre più vicina al collo per eseguire missioni sempre più impossibili per salvare all'ultimo minuto la fatiscenza del fronte nipponico. Dello stesso parere sono i suoi compari, divorati internamente da una vittoria che non vedranno mai e caratterizzati al massimo della loro finezza. Montaggio ben studiato ed ottimamente inserito in transizioni temporali al cardiopalma, soprattutto spigliato nelle scene in cui Sonny ci regala alcune delle sue mosse. Fotografia che raccoglie l'esperienza del regista negli yakuza eiga, movimentata ed intrisa di rosso su panorami selvaggi, dove in alcune sequenze vale più dei dialoghi per la comunicazione subliminale contro la guerra. Conclude il tutto la nefasta musica, congegnata nelle scene d'azione e senza mai scivolare nel melodramma.

Perdonatemi, ma per concludere ho dovuto inserire una clip dalla scuola di Nakano dall'omonimo film di Masumura, vista la totale assenza del film di Jun'ya su YouTube.
Ci vediamo in un'altra recensione, cari spettatori del blog!

Pericolosi Affari a Kobe (やくざ対Gメン 囮) - 1973 | Quando la Yakuza Inghiotte un Investigatore

Regia: Eiichi Kudo

Soggetto: Koichi Iiboshi

Sceneggiatura: Koji Takada

Produttore: Goro Kusakabe

Casa di Produzione: Toei

Paese di Produzione: Giappone

Distribuzione: Toei

Fotografia: Shigeru Akatsuka

Montaggio: Isamu Ichida

Musiche: Sohei Matsubara

Scenografia: Takatoshi Suzuki

---

Data di rilascio: 7 giugno 1973

Finalmente abbiamo l'occasione di spendere qualche parola su Eiichi Kudo, noto al pubblico nipponico per i suoi jidaigeki sanguinolenti. Entra a lavorare per la Toei nel 1952 come pianificatore ed in breve tempo diviene assistente alla regia, per poi esordire come regista nell'ulteriore jidaigeki di "Secrets of Fuji" (1959). Finita l'epoca d'oro dei drammi storici, sul finire degli anni '60 dirige numerose opere del sottofilone yakuza dei "ninkyo eiga" (films di cavalleria) e durante il decennio di piombo decide di puntare il tutto sulla televisione; dirige soprattutto jidaigeki nella longeva serie televisiva di "Hissatsu", dal 1972 al 1985. Non esita a ritornare al cinema al chiudersi del decennio di piombo, dirigendo opere ascrivibili al genere neo-noir e continuando a lavorare nel cinema in videocassetta a marchio Toei, fino al suo ritiro definitivo nel 1998 con un "jitsuroku eiga" dedicato alla vita di Noboru Ando. Passa a miglior vita il 23 settembre del 2000, a causa di una emorragia intracerebrale.

Sadao Ise (Hiroki Matsukata), persona chiave per il commercio di droga a Kobe, viene tratto in arresto durante il falso acquisto di 300 grammi di eroina. La polizia lo costringe a divenire un informatore, al fianco di Ryusuke (Tatsuo Umemiya), per tentare di scoperchiare la rete e ad intercettare un ingente carico in arrivo al porto di Nagoya...

Kudo non ha pietà per nessuno e non prova sentimentalismi neppure per chi dovrebbe tutelare l'ordine. Anche la stessa fotografia ribadisce il suo concetto, con dei colori desaturati e sbiaditi alla Decae, assieme ad alcune sequenze movimentate tramite la cinepresa a mano alla Fukasaku. Quasi nessuno, ad eccezione del duo femminile che ronza intorno a Matsukata-Umemiya, esprime emozioni: tutti sono coinvolti in un giro milionario ed hanno intenzione di mantenerlo saldo, a detta dello stesso Matsukata. Umemiya simboleggia la sottigliezza del proprio mestiere di investigatore, su un filo prossimo ad essere reciso dal rasoio yakuza. Il luccichio dei neon di Kobe nasconde, infatti, l'anfiteatro di tali organizzazioni: ed è così che Kudo rielabora il filone "jitsuroku" con sfumature anglosassoni nella scenografia. E senza perdere ulteriore tempo in dialoghi, la sceneggiatura mette assieme i tasselli del mosaico scena dopo scena, senza mai del tutto stemperare la tensione. Accompagna il tutto la colonna sonora, seppur ridotta all'essenziale, di un blues che si arrocca finemente nei nostri timpani...

Quando una yakuza inghiotte e deglutisce un investigatore, significa che la sua piovra è implacabile nel mietere altre vittime, desiderose di smantellare tale sistema.

Ci vediamo in un'altra recensione, cari spettatori del blog!

Coyote Vs Acme

 

Titolo originale: Coyote vs Acme
Data di uscita: 2 settembre 2026 (cinema)
Genere: Animazione, azione, avventura, commedia, film per famiglie
Casa di produzione: Warner Bros Pictures, Warner Animation Group
Regia: Dave Green

Dopo un'attesa infinita e mille vicissitudini produttive, Coyote vs Acme è finalmente arrivato sul grande schermo e ha ripagato ogni singola aspettativa: un film che ha spaccato letteralmente sotto ogni punto di vista, rivelandosi non solo una commedia travolgente ma anche un'opera con risvolti inaspettatamente profondi.

La premessa del film è tanto semplice quanto geniale: stanco di subire infortuni a causa di prodotti palesemente difettosi, Willy il Coyote decide di dire basta. Invece di ordinare l'ennesimo razzo o trappola malfunzionante, sceglie di percorrere la strada della giustizia e trascina la gigante multinazionale ACME direttamente in tribunale. Ad affiancarlo in questa battaglia legale contro tutti c'è un avvocato umano Kevin Avery ( l'attore Will Forte), chiamato a dare voce e difesa a chi per decenni è stato sconfitto dal cinismo di un marchio industriale.
Se il cast umano fa un buon lavoro di supporto - con la presenza del cinico legale della Acme (l'attore ed ex wrestler John Cena) a fare da ostacolo, il vero showman assoluto e motore comico del film è solo ed esclusivamente Willy il Coyote.

Le sue gag fisiche, lo slapstick sfrenato e il modo in cui le classiche sventure dei cartoni si intrecciano con le severe dinamiche di un processo legale fanno morire dal ridere dall'inizio alla fine. Si ride a crepapelle per tutta la durata della pellicola: il ritmo non cala mai e la comicità visiva di Willy dimostra quanto questo personaggio sia immortale, capace di dominare la scena anche davanti agli attori in carne ed ossa. Ovviamente sono presenti anche altri personaggi dei Looney Tunes molto conosciuti e non.

Ciò che eleva davvero la pellicola e la rende un successo completo è ciò che si nasconde sotto le risate. Verso il finale, Coyote vs Acme rivela una vena riflessiva e profonda: è una storia sulla determinazione di chi non si arrende mai di fronte ai continui fallimenti della vita, ma è anche una chiara e riuscita satira contro lo strapotere delle grandi corporation che scartano gli individui e non si assumono mai le proprie responsabilità. La battaglia di Willy diventa così il riscatto di tutti i "perdenti! che trovano finalmente il coraggio di alzare la testa.

Coyote vs. Acme è un film completo, bilanciato ed estremante divertente. Riesce nell'impresa di far ridere a crepapelle grazie all'inconfondibile genialità di Willy, offrendo allo stesso tempo spunti di riflessione non banali sul valore della perseveranza e sulla critica al consumismo. Una piccola promossa a pieni voti che lascia il segno.

Voto: 9.5/10

La Creatura Chiamata Uomo (豹は走った) - 1970 | Cardiopalma Anche per Golgo 13!

Regia: Kiyoshi Nishimura

Sceneggiatura: Yoshihiro Ishimatsu, Hiroshi Nagano

Produttore Esecutivo: Yorihiko Yamada

Casa di Produzione: Toho

Paese di Produzione: Giappone

Distribuzione: Toho

Fotografia: Kazutami Hara

Montaggio: Yoshitami Kuroiwa

Musiche: Mitsuhiko Saito

Scenografia: Shinobu Muraki

---

Data di rilascio: 4 aprile 1970

Come il titolo già suggerisce, noi creature possiamo divenire, ahimè, carne da cannone per qualunque fucile di precisione... ma con l'intervento di Kayama, difficilmente lo saremo. Terzo episodio della tetralogia in cui il nostro protagonista impersona un sicario sia al servizio della polizia che per sé stesso, forse il più noto a livello nazionale dopo il primo, definito il degno seguito a colori della celeberrima "farfalla" di Suzuki. E come nel franchising delle "bond girls", anche qui abbiamo l'assistenza di Mariko Kaga, all'apice della sua carriera ed accompagnata dall'antagonista Jiro Tamiya, volto impossibile da non dimenticare assieme alla sua gavetta nei films di Masumura.

Nella Repubblica fittizia del Sud Nesia, avviene un colpo di Stato. La "N Corporation", un colosso aziendale nipponico, aveva un accordo per la fornitura di armi alla Repubblica e temendo qualche perdita finanziaria di rilievo, aiuta il presidente Jacquard (Alice Sherif) a fuggire... ma il colosso mantenne un'alleanza segreta con il governo rivoluzionario ed aveva promesso di riprendere i rapporti commerciali, se il presidente fosse stato assassinato. Così Kaoru (Mariko Kaga), segretaria della N, assolda il sicario Kojo (Jiro Tamiya) con lo scopo di toglierlo di mezzo. Nel mentre, l'agente Noboru Toda (Yuzo Kayama) si dimette dalla polizia e lavora informalmente con loro per salvare la vita del presidente...

Visivamente e coreograficamente privo da momenti di tregua. Yuzo, letteralmente un signor personaggio tale da anticipare lo Shohei al termine degli anni di piombo, calmissimo, freddo e cinico calcolatore, come un gatto è fisso a dare la caccia al topo Tamiya, anche lui di poche parole come Yuzo e determinato a togliere di mezzo Sherif, obiettivo mobile ambito da vili affaristi dai tentacoli onnipresenti nella fragile politica del suo Paese diviso. Trama dal metronomo di precisione svizzera negli eventi che si susseguono, scorrevoli e senza intoppi o siparietti comici di alcun tipo; sceneggiatura ridotta all'essenziale, ma capace di consegnare allo spettatore tutto ciò che gli serve per brillare in fatto di interesse. Musica perfetta come un guanto, sull'intera esecuzione, "cardiopalmatica" al punto giusto; nemmeno il montaggio delude, ben eseguito nelle scene chiave (l'assassinio della fidanzata di Tamiya, lo scontro finale all'hangar di un aeroporto tra Yuzo e Tamiya) ed anche fotograficamente, con un colore non alterato ed una impostazione chiara tra l'ambientazione autunnale e desaturazione alla Decae in quasi ogni scena. Scena importante è il finale, dove il film spicca in volo dal minimo sindacale di piombo della sua durata...

Pietra miliare degli "hitman movies" nipponici, oltre ad essere stato un tassello fondamentale per i creatori del manga di Golgo 13...
Ci vediamo in un'altra recensione, cari spettatori del blog!

The Dog Stars - Le stelle dopo la fine

 

Titolo originale: The Dog Stars - Le stelle dopo la fine
Data di uscita: 28 agosto 2026 (cinema)
Genere: Azione, Thriller, Fantascienza
Casa di produzione: 20th Century Studios; Scott Free Production
Regia: Ridely Scott

Con The Dog Stars, il cinema post-apocalittico ritrova una dimensione intima, poetica e profondamente umana. Lontano dal mero intrattenimento fatto di esplosioni e ritmo frenetico, il film sceglie di prendersi i suoi tempi per esplorare non solo la devastazione del mondo, ma soprattutto la ricostruzione dello spirito umano attraverso uno sguardo contemplativo e toccante.

La trama e l'origine letteraria

Il film si basa sull'apprezzato romanzo omonimo di Peter Heller del 2012, pubblicato in Italia con il titolo Le stelle del cane.
In un futuro segnato da una pandemia che ha quasi azzerato l'umanità, Hig sopravvive in una base aerea isolata. Le sue giornate si dividono tra i pattugliamenti in volo con il suo piccolo aereo, la compagnia del suo fedele cane Jasper e la complessa convivenza con Bangley, un uomo pragmatico e armato fino ai denti che vede ogni potenziale incontro come una minaccia mortale.
A spingere Hig oltre la semplice routine di sopravvivenza è il desiderio intenibile di trovare ancora vita, empatia e connessione. Quando la radio del suo aereo capta una traccia quasi impercettibile di speranza, Hig decide di rischiare tutto per volare perso l'ignoto.

Una regia d'atmosfera e paesaggi mozzafiato

Il vero punto di forza della pellicola risiede nella straordinaria bellezza visiva delle sue ambientazioni. La macchina da presa regala inquadrature ad ampio respiro, in cui i paesaggi naturali - sterminati, selvaggi e al tempo stesso malinconici - diventano veri e propri coprotagonisti della storia. Le sequenze di volo offrono una prospettiva quasi lirica sul mondo svuotato dall'uomo, regalandoci immagini che restano impresse a lungo negli occhi dello spettatore.

Riflessivo, profondo e umano 

Ciò che eleva questo film ben al di sopra dei classici prodotti del genere è la sua notevole profondità tematica, fedele allo spirito del libro di Heller. Il film non si limita a raccontare il pericolo dei predoni o la lotta per le risorse, ma si interroga su cosa significhi rimanere umani quando tutto il resto è crollato.
Questa è un opera fortemente riflessiva che parla di elaborazione del lutto, del valore della solitudine, dell'importanza dell'amicizia e della ricerca ostinata della bellezza anche dove sembra non essercene più. Le interpretazioni degli attori restituiscono tutta la fragilità e la forza dei loro personaggi, rendendo ogni dialogo e ogni silenzio carico di significato.

Considerazioni finali

The Dog Stars è un viaggio emozionante e visivamente spettacolare che sa toccare le corde giuste, rendendo piena giustizia all'opera letteraria da cui è tratto. Un'adattamento capace di far riflettere e di emozionare attraverso la purezza delle sue immagini e la maturità del suo racconto. Un appuntamento imperdibile per chi cerca un film profondo e di grande impatto.

Voto 9/10

Beretta M92F: Proiettile Letale (ベレッタM92F: 凶弾) - 1990

Regia: Takahito Hara
Sceneggiatura: Hideichi Nagahara, Yasushi Hirano
Prodotto di cui si trovano veramente poche informazioni a riguardo, uscito nell'epoca d'oro del cinema nipponico "direct-to-video" (V-Cinema a marchio Toei), che prende il nome dall'arma da fuoco usata dal protagonista Koichi Iwaki. Per chi non lo conoscesse, è un noto pilota d'auto nippo-coreano dal passato piuttosto turbolento: arrestato per un totale di 15 volte in gioventù, pugnalato al fianco da uno yakuza e finito in un riformatorio. Inizia a guidare motociclette alle medie, diviene un gigolò e lavora al fianco di Hiroshi Tachi nella band rock dei "Cools". La Toei nota una sua fotografia, scattata dalla rivista per adulti Weekly Playboy, in cui guida una Harley-Davidson FLH1200 quando ancora militava nei "Cools" e gli offre 700.000 yen per partecipare in un film: esordisce nel cult bikersploitation di "Detonation! Violent Riders" (1975), un enorme successo tale da dare luogo ad altri due seguiti. Nel 1977 viene nuovamente arrestato per possessione di stupefacenti e detenzione illegale di un'arma da fuoco, ma torna subito in azione in "No Graves For Us" (1979) ed inizia a cimentarsi nelle corse in auto dal 1980 ad oggi. Ci troviamo davanti al primo ruolo da protagonista assoluto di Iwaki, dopo il suo primo assaggio della posizione nello yakuza movie di "South to the Horizons" (1986).

Sawamura (Koichi Iwaki), ingranaggio importante del sottomondo di Yokohama assieme al suo braccio destro Moriguchi (Takashi Fuji), da quando ha perso entrambi i genitori in una guerra tra bande yakuza. Un giorno, riceve l'incarico di assassinare due alti dirigenti della Seiryukai, tra le più potenti organizzazioni yakuza della città: Sawamura riesce, ma si viene a scoprire che in realtà l'incarico è una maschera per coprire la lotta di successione per il vertice della Seiryukai, guidata da Kajimoto (Minori Terada)...

Passabile hitman movie che, con numerosi punti morti, riesce nell'intento al retrogusto di piombo. Iwaki professionale e realmente un duro nelle scene d'azione, con una naturalezza nello sparare raramente riscontrabile altrove (gestisce un personale poligono di tiro); durante l'inseguimento che precede il finale, non ha avuto nemmeno il bisogno di una controfigura. Tutt'altra cosa il suo socio Fuji, chiassoso ma anche lui pronto allo scontro a fuoco; lo accompagna Rikako che, dopo una lunga sequenza da sola comparsa, partecipa al regolamento di conti con la Seiryukai. Purtroppo, le performances del trio sono afflitte dalla mancata ramificazione dei loro personaggi, oscuri fino alla fine. Buone le sessioni fotografiche, che si servono molto della geometria delle architetture, ingrandimenti di punti lontani e paesaggisticamente fotogenici alla Yamada; anche con la cinepresa a mano in alcune sequenze calde d'azione, scossa alla Fukasaku. Montaggio realizzato con svogliatezza, ma ben sfruttato nelle scene clou. Colonna sonora ridotta all'essenziale, che prova ad influire sull'atmosfera filmica e per niente fastidiosa.

Ci vediamo in un'altra recensione, cari spettatori del blog!

Minions & Mostri

 

Titolo originale: Minions & Monsters
Data di uscita: 1° Luglio 2026 (cinema)
Genere: Animazione, Commedia, azione, fantastico
Casa di produzione: Illumination Entertainment
Regia: Pierre Coffin; Patrick DeLage

A quattro anni dal precedente capitolo, la Illumination Entertainment riporta in sala le sue creature più iconiche con Minions & Monsters, terzo capitolo della saga spin-off dedicato ai mostriciattoli gialli.
Il film si rivela una piacevolissima sorpresa: un'operazione nostalgica, fresca e decisamente più matura rispetto al passato, capace di divertire i più piccoli e di ammaliare gli amanti del cinema classico.

La narrazione si apre con una cornice suggestiva: una guida turistica ad Hollywood ripercorre la leggenda di tre Minions in particolare: James, Henry e Ed.  I tre, reduci dall'ennesimo e fallimentare tentativo di trovare il supercattivo perfetto da servire, finiscono per puro caso sul set di un film muto nella Los Angeles degli albori del cinema. La loro naturale propensione alla comicità fisica e al loro modo di essere buffi li trasforma immediatamente in star indiscusse dello schermo.
Tuttavia il sogno Hollywoodiano si rompe con l'avvento dei microfoni e del cinema sonoro. Incapaci di adattarsi alla nuova tecnologia, i nostri beniamini vengono brutalmente licenziati e si ritroveranno di nuovo in mezzo alla strada. Sarà James a non arrendersi, trascinando i compagni nell'ambiziosa impresa di produrre a tutti i costi il proprio film.

Questo film è letteralmente una lettera d'amore all'epoca d'oro del cinema. Il paradosso comico al centro della sceneggiatura è brillante: creature che storicamente si esprimono solo a gesti e suoni indecifrabili trovano la loro massima consacrazione proprio nel cinema muto, subendo poi il contraccolpo drammatico e ironico del progresso tecnologico.
Il film è una miniera di citazioni cinefile per il pubblico adulto.
Nel corso della storia compaiono giganti del calibro di Charlie Chaplin e Buster Keaton, e non mancano riferimenti  visivi e strutturali a pietre miliari che hanno fatto la storia della celluloide, come il leggendario western "La grande rapina al treno" (The Great Train Robbery).

La CGI è impeccabile e si sposa magnificamente con soluzioni registiche ricercate, capaci di simulare la fotografia in bianco e nero e la grana delle pellicole dell'epoca.

Nota di merito assoluta per la caratterizzazione dei personaggi, in particolare per l'introduzione di Ed, un Minion sordo. Ed comunica esclusivamente attraverso la lingua dei segni, compresa senza problemi da tutti gli altri Minions. Si tratta di una scelta di scrittura eccellente, che non solo arricchisce l'inclusività del film, ma si integra alla perfezione con le dinamiche della narrazione e del cinema d'azione e visivo.

Rispetto ai due capitoli precedenti della saga si nota un tentativo da parte della produzione di dare una nuova maturità e una ventata di innovazione a questo universo narrativo. Il risultato è un film a due livelli di lettura: Una commedia d'azione scatenata per i bambini e un gioco di citazioni per gli adulti cinofili nostalgici.

Voto:7,5/10

My Love Story with Yamada-kun at Lv999

 

Adattato da: My Love Story with Yamada-kun at Lv999
Uscita: 2 aprile 2023 (Giappone)
Regista: Morio Asaka
Produttori: Hitomi Kuroi, Kazuki Ueshima, Kazuya Matsueda, Yuki Yoshida.
Composizione della serie: Yasuhiro Nakanishi
Studio: Madhouse
Episodi:13
Genere: Sentimentale, commedia e Slice of Life

La protagonista, Akane, si ritrova ad affrontare una delusione d'amore, dopo aver scoperto un tradimento da parte del suo fidanzato. Per distrarsi dalla notizia, decide di riprendere a giocare a un videogioco online dove conosce Yamada, un ragazzo molto riservato e poco interessato ai rapporti sociali. Un incontro casuale nella vita reale dà inizio a una conoscenza che, episodio dopo episodio, evolve in qualcosa di più profondo.

Uno degli aspetti più convincenti dell'opera è proprio la caratterizzazione dei personaggi principali. Akane è una protagonista spontanea e piena di energia, mentre Yamada, dietro il suo carattere apparentemente distaccato, nasconde una sensibilità che emerge poco alla volta. Il contrasto tra i due rende ogni loro interazione naturale e piacevole da seguire, senza ricorrere a inutili drammi o situazioni eccessivamente costruite.

Il mondo dei videogiochi viene integrato nella storia in modo convincente. Non rappresenta soltanto il contesto in cui i protagonisti si incontrano, ma diventa un mezzo per approfondire i rapporti tra i personaggi, trasformando delle semplici conoscenze virtuali in legami autentici.

Dal punto di vista tecnico, l'animazione è semplice ma curata, con uno stile pulito che valorizza le espressioni dei personaggi. Le ambientazioni accompagnano efficacemente il tono leggero e romantico della serie, mentre la colonna sonora contribuisce a creare un'atmosfera rilassante e piacevole. Il ritmo in alcuni episodi tende a rallentare e potrebbe risultare poco coinvolgente per chi preferisce storie più movimentate. Alcuni sviluppi sono anche piuttosto prevedibili, ma questo non compromette il piacere della visione.

Nel complesso, My Love Story with Yamada-kun Lv999 è un romance capace di distinguersi grazie alla sua spontaneità. Non cerca di reinventare il genere, ma racconta l'incontro di due persone molto diverse, dimostrando come anche un rapporto nato dietro uno schermo possa trasformarsi in qualcosa di autentico. Ideale per chi cerca una commedia romantica rilassante e ben costruita.

Voto: 8,5/10

Canzone del Vicolo Cieco: Evasione (行き止まりの挽歌: ブレイクアウト) - 1988

Regia: Toru Murakawa

Soggetto: Kaoru Kurimoto

Sceneggiatura: Hiroshi Kashiwabara

Produttore: Kei Ijichi

Casa di produzione: Nikkatsu
Paese di produzione: Giappone

Coreografie: Masahiro Kunii

Fotografia: Yukio Yada

Montaggio: Akira Suzuki

---

Data di rilascio: 30 luglio 1988

Adattamento cinematografico dell'omonimo romanzo hard-boiled di Kaoru Kurimoto, che celebra il ritorno di Murakawa nella casa in cui si è fatto le ossa tramite i suoi osceni "pinku eiga", oramai prossima alla bancarotta per il declino del genere nelle sale. Fu un periodo in cui la Nikkatsu cambiò il nome delle sue sale da "Roman P." (per ovvi motivi non posso estendere il forzato acronimo) in "Ropponica" (nome scelto per via dell'allora sede, situata a Roppongi) e decise di riesumare la produzione di pellicole da altri generi: in passato vi avevo parlato dell'ultimo lavoro di Toshiya Fujita, ossia "Revolver" e distribuito dall'omonima casa, ma all'epoca ero ancora alle prime armi e dovevo ancora documentarmi. Oltre al ritorno di Murakawa, si è fatto avanti Tatsuya Fuji, anche lui una presenza costante della N fino alla loro decisione fatale del 1971...

L'ispettore Ryusuke Kaji (Tatsuya Fuji) viene chiamato ad investigare sulla morte di Shimada (Ryohei Takaoka), membro di una gang motociclistica affiliata alla Tatsuta-gumi. Immediatamente si focalizza su Miku (Yoko Ishino), in quanto una sua foto con Shimada è stata ritrovata a casa di quest'ultimo: Kaji viene affiancato dal novello collega Koji Nishimura (Hiroaki Murakami) ed assieme seguono la scia rossa dell'assassino, che ben presto li perseguiterà...

Pesante poliziesco noir che viene attraversato da numerose raffiche di pestaggi e contaminato dal sottogenere degli "slasher movies" nostrani alla Bava, date le efferate esecuzioni dell'assassino sulle sue vittime. Fuji letteralmente forgiato nell'acciaio inossidabile, in quanto regge senza problemi il timone della pellicola e non offusca il tutto con il suo essere duro nei confronti della vita che lo circonda, assieme al suo spazzolino da denti ed alla sua logorata Rover P6: completamente opposto è il suo collega Hiroaki, che intende agire dalla parte della legge e più rilassato. La sceneggiatura, nonostante alcune sue lacune facilmente aggirabili, è inseparabile dai personaggi e riduce il tutto all'essenziale (la colonna sonora è assente!) per concentrarsi su una trama facile da seguire, senza mai avere un attimo di tregua. Fotografia che sfrutta molto la foschia ed i panorami della valle di "The Shootout" (1982) per dare la sensazione sul fato funesto del protagonista, su un montaggio che non lascia mai a desiderare.

Riprendendoci dal trauma del film, ci vediamo alla prossima recensione!

La Grande Rapina (The Big Holdup) - 1975

Regia: Chor Yuen

Sceneggiatura: Chor Yuen

Produttore: Run Run Shaw

Direttore di produzione: Chen Lieh

Casa di produzione: Shaw Brothers

Paese di produzione: Hong Kong, Cina

Distribuzione: Shaw Brothers

Fotografia: Wong Chit

Montaggio: Chiang Hsing-Lung

---

Data di rilascio: 19 settembre 1975
Chor, conosciuto al pubblico di Hong Kong per le scenografie eleganti dei suoi wuxia e nel recupero definitivo del cantonese come lingua dominante dal 1973 ad oggi del cinema portuale, cambia completamente orientamento e decide di tentare la fortuna nel genere poliziesco, nonché l'unico in tutta la sua longeva filmografia di 120 pellicole. Questa volta si arma delle più grandi stelle in voga della casa come Danny Lee, divenuto in brevissimo tempo noto a livello mondiale per il suo ruolo nel tokusatsu di "The Infra-Man" nello stesso anno; Chen Kuan-Tai, fresco della gavetta di Chang Cheh nel famigerato "I Kamikaze del Karate" (1972), così come Wang Chung nel poliziesco di Chang nel 1973; ed un veterano della casa come Yueh Hua, ancora non dimenticato dal pubblico per la sua performance ubriacata nell'antenato del filone delle girls with guns in "Come Drink with Me" (1966).

Una banda di giovani rapinatori (Wang Chung, Danny Lee, Yueh Hua, Chen Kuan-Tai, Ling Yung) assalta un portavalori contenente 5 milioni di dollari e vengono traditi dal loro boss Maiguang (Tin Ching), che divulga alla stampa i nomi dei rapinatori. A sua volta viene tolto di mezzo dal suo boss (Tsung Hua), che si rivelerà essere il figlio di un ispettore (Tung Lin), sulle tracce della banda: questi ultimi cercheranno di ricostruire il misfatto di Maiguang...

Pesante melodramma che prova a ricostruire il perché la banda è stata costretta a delinquere, tramite esaustivi flashbacks su personaggi da scenari disparati, che nel mentre vengono braccati dalla polizia nel presente colgono l'occasione per avere un attimo di felicità (ansiosa) dopo una vita movimentata. Il tutto viene colmato dal noir pungente che pervade l'atmosfera, capace di dirci il tragico fato di ciascun personaggio dalle loro tracce. Ottima la fotografia panoramica, anche di notte, dai colori asciutti ed ampiamente sfruttata nel chiaroscuro, soprattutto nelle scenografie ben congegnate (soprattutto nel tragico finale di Chen, che visita una villa ben arredata) e nelle scene d'azione alla Fukasaku (con tanto di inquadrature mosse, suo marchio di fabbrica). Montato abbastanza bene in tutta l'esecuzione, le musiche fanno il loro lavoro nell'alimentare la tensione nelle scene clou. Ma soprattutto, per chi è un veterano del nostro blog si accorgerà della notevole somiglianza del film al nostrano genere del poliziottesco, in quanto ha alcuni dei suoi ingredienti (sparatorie, rapine e soprattutto la logora classe lavoratrice prossima all'implosione).

In conclusione, se siete dei novelli in cerca di un poliziesco ben congegnato, sorvolate altrove: per i veterani del cinema hongkonghese sarà una visione passabile, ma da non tralasciare per la sperimentazione. A presto!

Il Sole di Mezzanotte (0時) - 1971

Regia: Lee Man-Hee

Sceneggiatura: Lee Hie-Woo

Produttore: Kim Tae-Su

Casa di produzione: Taechang Productions

Paese di produzione: Corea del Sud

Fotografia: Kim Deok-Jin
Montaggio: Yu Jae-Won

---

Data di rilascio: 1° luglio 1971
Grazie al sostegno economico dei suoi fratelli nell'immediata liberazione della Corea dall'occupazione nipponica, Lee è stato capace di frequentare la scuola e di lavorare come assistente alla regia per Ahn Jong-Hwa e Park Gu, per poi esordire nel 1961 con "Kaleidoscope", sfortunatamente perduto e secondo alcuni resoconti dell'epoca parrebbe un dramma per famiglie. Fortunatamente il suo secondo lavoro del 1962, "Call 112", aprì definitivamente la strada al genere del thriller in Corea del Sud e fu un enorme successo di pubblico e di critica, tanto che lo stesso Lee girò altri due remakes nel 1969 e nel 1974. All'attivo un totale di 94 films da regista ed abilissimo nel girare in quasi tutti i generi cinematografici in un sterminato panorama di successi, continuò a lavorare fino all'ultimo suo lavoro del 1975, un avventuroso road movie ma privo di auto, denominato "The Road to Sampo"; affetto da un cancro renale, durante la fase di montaggio della pellicola ebbe un collasso e fu trasportato d'urgenza in ospedale, passando a miglior vita poco dopo. Aveva solo 43 anni.

L'ispettore Jang (Heo Chang-Kang), a capo della Sezione 330, è sulle tracce di una coppia specializzata in furti a bordo di una motocicletta, a sua volta rubata da un alto ufficiale della polizia. Intanto, in famiglia, suo figlio Kyu-Seok ha stretto amicizia con il ragazzo di campagna Dol-Lim, alla ricerca di sua sorella. Jang decide di accoglierlo in casa propria, fino a quando Kyu non gli trova un lavoro come usciere in un ristorante locale. Il tutto viene interrotto bruscamente quando Lee Min-Soo (Mun Oh-Jang), criminale precedentemente tratto in arresto da Jang, viene scarcerato e prende di mira Kyu...

All'apparenza un poliziesco, è una lente d'ingrandimento (propagandistica) sullo stato economico/sociale della Corea del Sud di allora, rappresentati dalla famiglia di Jang e dal contesto circostante. Famiglia lacerata che trascorre in melancolia le proprie giornate tra lavoretti di ripiego, con un padre sempre assente al focolare ma un agente modello nella polizia che vive per il suo modesto lavoro, dove la moglie è costretta a mandare giù la solitudine casalinga quotidianamente. Nel grigio sporco della oramai sparita Seoul di allora, anche la modesta fotografia illustra le modeste condizioni di una popolazione sotto il regime di Chung-Hee, con longevi piani sequenza all'aperto e sequenze da noir all'americana: pioggia notturna con impermeabili beige, lampeggianti della polizia e neon che risplendono sull'asfalto bagnato; cielo plumbeo, atto ad illustrare l'incertezza della società sudcoreana di allora; traffico urbano congestionato per una metropoli che non dorme mai come Seoul. Montaggio non molto presente, quasi un modo per simboleggiare la stanchezza cronica della famiglia di Jang. Musiche da melodramma che provano ad affievolire il mestiere del protagonista, oltre allo scenario martoriato della nazione.

Nel complesso, ci troviamo davanti ad un film di propaganda sponsorizzato dalla stessa polizia per tentare di ripulire l'immagine del regime di Chung-Hee, ma capace di offrire una istantanea astuta della società sudcoreana del tempo. A presto!

Fratelli Armati (Gun Brothers) - 1968

Regia: Cheng Kang, Wu Chia-Hsiang

Sceneggiatura: Cheng Kang, Wu Chia-Hsiang

Produttore: Runme Shaw

Casa di produzione: Shaw Brothers

Paese di produzione: Hong Kong, Cina
Distribuzione: Shaw Brothers

Fotografia: Wong Ming, Danny Lee Yau-Tong

Montaggio: Chiang Hsing-Lung

Musiche: Eddie H. Wang

Trucco: Fong Yuen
---

Data di rilascio: 21 febbraio 1968
Binomio che non lascia alcun dubbio sull'esecuzione del prodotto. Cheng Kang, che avevo accennato molto tempo prima, merita una esaustiva descrizione: originario di Anhui, attorno al 1942 si unisce ad un gruppo teatrale dove scrisse opere di successo e nel dopoguerra (1949) si trasferisce a Hong Kong, dove intraprende la carriera di sceneggiatore ed esordisce quasi immediatamente nel 1951, con il dramma storico di "Mother and Son in Grief". Autore di oltre 100 sceneggiature, vanta anche un totale di 36 films da regista, tra cui il suo esito più acclamato de "The 14 Amazons" (1972), pluripremiato a Taiwan con il Golden Horse. Wu, originario di Pechino, nel 1937 crea assieme al futuro scrittore Wu Ruo un club letterario per visitare varie città della Cina per promuovere la ribellione contro il Giappone; si arruola nell'esercito ed entra in contatto con la compagnia teatrale di Chongqing, per poi unirsi al China Motion Picture Studio ed esordire come attore nel film di guerra "Spy from Japan" (1943). Nell'immediato dopoguerra si trasferisce anche lui a Hong Kong ed inizia a lavorare per la MP&GI dal 1957, dove vi esordisce come regista nel 1963 con il dramma di "Father and Son". Si sposta alla Shaw nel 1967 e finita la sua epoca d'oro, si trasferisce a Taiwan nel 1980 per lavorare in ambito televisivo; tornato a Hong Kong, viene colpito da un ictus dopo la sua partecipazione in "Lucky Diamond" (1985) e passa a miglior vita il 20 marzo del 1993, all'età di 73 anni.

Tung (Ling Yun) è conosciuto alle autorità di occupazione nipponiche come il "fratello armato", che agisce assieme alla resistenza locale durante la notte per cacciare gli invasori. Di giorno è un instancabile rubacuori ed abile giocatore di mahjong, che nel mentre attira i sospetti dell'ispettore Ma (Tien Feng) sulla sua vera identità. Per evitare di essere scoperto a seguito di una ferita sul volto procurata a seguito di una colluttazione con quest'ultimo, si serve dell'aiuto di suo fratello Nam (il medesimo Ling) per riorganizzarsi e dare una sferzata finale al nemico...

Implacabile avventura di piombo ed astuzia, dove si svolge senza alcun intoppo verso il regolamento di conti finale in una regia al pieno servizio dei personaggi, che discretamente si evolvono in una trama dal concetto per nulla male. Sceneggiatura con alcune evidenti discrepanze, che si perde nella vita quotidiana del protagonista, ma non intacca il resto; rapida sugli spettacoli pirotecnici e nei colpi di scena ai danni degli invasori, dove ne raggiunge il culmine. Con una fotografia che si serve di eleganti scenografie nelle scene neutrali (come nella residenza del protagonista), colme di sequenze chiaroscure ed altre tramite telecamera a mano, non manca di deliziarci con panorami vari nelle scene dove Ling si confronta con gli occupanti. Montaggio rapido nei punti focali, ma rilassato nei momenti neutri, che in seguito diverrà il marchio di fabbrica di Kang. Colonna sonora da kolossal, pomposa e che incamera la memoria dell'eroica resistenza armata contro l'occupazione nipponica; non esita ad affondare il pedale dell'acceleratore sul melodramma, ma le note aiutano a provare empatia con il protagonista e la sua resistenza.

Definitivamente un prodotto artigianale, ma non da tralasciare. A presto!